Футбол

Если ничего не случится - завтра старшего сына поведу вечером на первое занятие по футболу. Со скрипом по возрасту прошел. Сегодня все утро напоминала ему чем отличается командная игра от одиночной, за что дают какие карточки, про офсайд и остальное. Язык под конец отсох. Благо, он за год вроде не все забыл еще. В прошлом году нас не взяли - мелкие сильно были.

@темы: семейное

---

Хм

Хм, как же много развелось любителей пи..ть чужие уроки без сохранения авторства. Но это ладно - есть ссылка, где оно указано. Всегда бесило и будет бесить, когда авторство приписывают себе. Я уж думала, что с моим то уровнем хреновым мне такое никогда не грозит. Додумалась.

@темы: около-худовское

---

Совет 9 - Для начинающего CG-шника

Совет 9 – Если вы рисуете при большом разрешении – всегда следите за тем, как выглядит ваш рисунок в уменьшенном виде, иначе вы рискуете сделать много лишней работы и получить тонну разочарования.

Многие начинающие художники, рисуя на большом полотне, забывают о том, что свою работу они будут показывать в уменьшенном варианте. Любовь к мелким деталям может завести в этом случае на очень долгую и извилистую тропинку в работе и то, что можно было бы реализовать за пару часов, они рисуют месяцами. Именно по этой причине всегда необходимо рассматривать свою работу в том варианте, в котором она будет преподнесена зрителю. Тогда сразу становится понятно, нужна ли детальная прорисовка всех завитушек на кружеве или можно обойтись общими линиями, которые при увеличении смотрятся не так уж и хорошо, но в нужном формате прекрасно воспринимаются за кружево. Для себя я уяснила следующее – последнее время я всегда рисую при таком увеличении (не размере), когда мой рисунок целиком умещается на экран. Обычно это 25% от полного размера. И только если мне необходимо поработать над деталями, я приближаю холст и начинаю работу над нужным куском, но при этом все время возвращаюсь к общему варианту и смотрю, достаточно ли прорисовано место или можно еще доработать. Раньше я поступала совсем иначе и затем довольно сильно расстраивалась, когда всяких мелких деталей просто не было видно и что более важно – они превращались в непонятную массу из-за уменьшения, а времени на них потрачено было очень и очень много. Хотелось как-то оправдать затраченные усилия и тогда появлялись фрагменты с увеличением и что удивительно – фрагменты нравились чуть больше, чем итоговый результат. Вот тогда-то я и задалась вопросом – почему? А ответ-то совсем простой – потому что я рисовала не под тот формат, который планировала показать людям и, поэтому ужатый рисунок терял акценты там, где я их расставляла и работа получалась смазанной.

Из первого рассуждения неминуемо вытекает второе. Нередко можно встретить работы начинающих художников, которые или слишком маленькие или настолько огромные, что не влазят даже на 21-дюймовый экран. Многие форумы, имея ограничение на размер загружаемой работы по ширине и длине, приучают людей выкладывать работы вменяемого формата, но такое ограничение есть не везде. Логика людей, которые выкладывают очень большие рисунки, довольно понятна и проста – им хочется показать работу в оригинальном формате. Почему? Да потому что происходит то, о чем я говорила выше – человек рисует, уделяет внимание деталям, а уменьшение убивает их, и ему становится жаль своих сил, и он хочет показать размер побольше. Практически все этим страдают в начале своего пути и с этим нужно обязательно бороться. Нужно помнить, что если ваша работа не предназначена для печати на холсте или вообще не выполняется под определенные размеры для клиентов или полиграфии, то она будет представлена зрителям в интернете в размерах, обычно, не превышающих размер их экрана. Если картинка не будет вмещаться – смотрящие просто уменьшат ее при помощи браузера, и в итоге получат еще худший вариант. Так что лучше самому сразу выставлять такой размер, который бы мог с легкостью просматриваться на большинстве мониторов. Не смотря на то, что сейчас очень популярно делать рисунки по высоте 1024, так как они помещаются на стандартных сейчас разрешениях, такой рисунок все равно не смотрится. Глаз человека, сидящего за монитором, обычно, не дальше 40-70 см, с трудом может охватить такую область одним взглядом. Его зрение будет расползаться, он не сможет ухватить всю картину целиком. Я очень много времени наблюдала за тем, какого размера работы выкладывают зарубежные, да и наши тоже проф. художники. И пришла к выводу, что большинство картин показываются зрителю в рамках 600-800 пикселей. Казалось бы – так мало! Но зато тогда рисунок прекрасно охватывается взглядом. А мелкие детали? Ну, если они присутствуют и вам так не терпится их показать – можете нарезать несколько фрагментов. Но, как я уже поняла для себя - делать это стоит лишь тогда, когда вас действительно попросят показать поближе.

Итак, подводя черту под всем вышесказанным, можно сократить сей крошечный совет в несколько предложений.

Рисуйте на размере (желательно при 300 dpi и не менее формата A4), превышающем вариант, который вы покажете зрителям, но при этом всегда, слышите, всегда, смотрите на вашу работу в том размере, в котором она будет в итоге, и этот размер не должен быть очень большим. Мелкие детали – это прекрасно, но порой их проще прорисовать простыми формами, чем вырисовывать каждый завиток, который потом ужмется и превратится в неясную массу. И вам будет жаль не только времени, но и результатов.

@темы: Для начинающего CG-шника

---

Совет 8 - Для начинающего CG-шника

СОВЕТ 8 – Если у вас есть проблемы с объемом - переводите в процессе свой рисунок в черно-белый вариант. Лучше подсказки для ваших глаз без эксплуатации других людей вам не найти.

Почему довольно часто начинающим художникам советуют рисовать в ч/б? Почему краски в художественных школах дают не сразу, а по началу учат рисовать примитивные фигуры карандашом? Все дело в том, что нашим глазам куда проще воспринимать форму в пределах одного цвета, а так как черный самый доступный цвет (в графических редакторах быстро можно перевести в ч/б; карандаши можно купить за копейки) да и глаза от него не устают, то и советуют использовать именно его.

Многообразие цветов мешает нетренированному глазу внятно определить объем предмета. Но что делать, если рисовать в цвете очень хочется? В таком случае я советую вам, как некогда советовали и мне – иногда менять режим рисунка на черно-белый вариант. Сделать это проще простого. В слоях есть заветная иконка в виде круга, разделенного на белую и черную половинки. Нажав на нее, достаточно выбрать опцию Black & White и расположить созданный слой самым первым. Ваш рисунок тут же превратится в черно-белый вариант, но что самое главное – скрыв этот слой одним кликом мышки по глазику скрытия/отображения слоя, вы вернетесь к своему основному цветному варианту. И никаких лишних телодвижений.

Второй вариант еще более простой. Достаточно создать новый слой выше всех других, залить его черным цветом и выставить слою режим Color. Режимы расположены слева от настройки непрозрачности слоя (Opacity). В какой то мере этот вариант даже более правдив.

Приведу пример для наглядности. Как обычно, я использую свои рисунки, поэтому будьте снисходительны и помните, что я их использую для того, чтобы показать ошибки, связанные именно с данным обсуждаемым вопросом.

В процессе рисования кицунэ мне не однократно говорили про плечи. Чисто визуально для меня они оставались в цвете нормальными, но я прекрасно понимала, что если видят другие, а я нет – значит у меня уже устали глаза от рисунка. Можно, конечно, было отложить его на неделю-другую, но, во-первых, я хоть и терпеливая, но не на столько, чтобы откладывать рисунок на неделю и потом иметь силы снова к нему вернуться. Ну, а во-вторых, что если, найдя одну ошибку, я могу не заметить вторую и ждать еще неделю как-то не охота. Поэтому я создала для себя такой вот черно-белый слой и, периодически на него поглядывая, принялась за исправления.

Итак, исправив левую руку (ранее она была в другом положении), я набросала ее базовый контур и немного прошлась по нему, намечая объем. Понимая, что объема на руке не достаточно, я включила ч/б слой для того, чтобы найти и другие провалы в объеме, и убедилась, что я была более чем права, и объема недостаточно еще во многих местах. И, если на руке и лице я это видела, то в области плеч и ее левой груди – нет. Если открыть теперь цветовую палитру и пройтись пипеткой по проблемным зонам, то мы увидим, что серый цвет практически идентичен везде. На ч/б варианте это заметно сильнее, но со временем вы сможете спокойно видеть провалы в объеме и на цветном варианте, но все равно просматривайте рисунок в ч/б – это поможет вам найти то, что вы могли пропустить.

Для этого примера я поработала только с рукой, не трогая все остальное и не сильно увлекаясь прорисовкой.

Как видите, добавив объем на руку, я снова перевела ее в ч/б, включив свой слой с фильтром, и убедилась, что теперь рука стала значительно лучше.



Но ей, как и всему рисунку, все еще не хватает глубоких теней и более светлых пятен, однако их я решила добавить позже, когда исправлю ошибки в объеме и в других обозначенных мною местах. Главное, не забывать об этом, иначе объем будет, но недостаточно читаемый.

Совет переводить работу в ч/б вариант очень стар, но, к сожалению, его можно услышать далеко не сразу, а ведь он, помимо всего прочего, еще и помогает понимать светлоту самих цветов. Как я уже говорила раньше – чистые цвета не одинаково светлые и незнание этого отпугивает многих начинающих художников от тренировок в ч/б варианте. Очень полезно иногда рисовать исключительно оттенками серого - так намного удобнее изучать лепку формы, так как вы не отвлекаетесь на цвета. Но тут возникает одна небольшая проблема, о которой я уже слышала неоднократно. Тем, кто любит цвета, порой очень сложно в ч/б подобрать верный по светлоте серый цвет для показа разных цветов. Например, какого серого цвета должна быть темно-зеленая трава, и какого серого цвета должен быть светло-синий мяч, лежащий в ней? В большинстве случаев люди идут по простому пути. Темно-зеленая – значит темно-серый, светло-голубой – значит светло-серый. Но если потом они пытаются наложить поверх цвет (например, при помощи свойства Цветность), то к своему глубочайшему сожалению, видят, что цвета получаются совершенно другими. А все дело в том, что цвета в своем чистом виде имеют разную светлость относительно друг-друга, а, значит, если мы переводим их в серое (уменьшаем насыщенность до нуля) то и серые цвета будут разными по светлоте, ну и, конечно же, производные от них цвета тоже. То есть, возвращаясь к нашему мячу на траве, может оказаться, что светло-синий будет темнее, чем темно-зеленый, хотя, конечно, все относительно и зависит от того, какой именно светло-синий мы имеем в виду. Но, в любом случае, синий мяч будет темнее желтого мяча в сером эквиваленте. Показать это очень просто.

Вот перед вами чистые желтый (#ffff00) и зеленый (#00ff00) цвета.

Теперь отобразим их в сером.

Казалось бы, все очевидно, но почему-то многие об этих простых вещах даже и не задумываются и впадают в ступор, когда им предлагают потренироваться в ч/б. В книгах по теории цвета этому моменту уделяется мало внимания и, порой, его просто пропускают, не замечая. Запоминать тут особо ничего не нужно. К примеру, я последнее время пользуюсь цветовым кругом Иттена Иоханнеса из его книги о Теории цвета.

Самым светлым цветом является желтый. Самым темным – фиолетовый. Как пользоваться кругом, думаю, вы уже разберетесь сами. Для молчаливой наглядности я просто представлю вам вариант в сером цвете.

Так как цветовой круг был взят из книги, то после сканирования рисунка, цвета исказились. Но, опять же, нам важно лишь понять какие цвета светлее и темнее относительно друг-друга, и пользоваться этим кругом как подсказкой. Кстати говоря, этот же круг идеально показывает первичные, вторичные и третичные цвета, их образование при смешивании, а так же какие в действительности цвета являются дополнительными друг для друга.

В дополнение ко всему вышесказанному хочу так же заметить, что еще одним хорошим трюком для устранения ошибок в вашей работе, но уже в плане построения является отзеркаливание работы по горизонтали или вертикали. Казалось бы, что в этом такого, но вы только попробуйте изменить ориентацию канвы документа (Image->Image Rotation->Flip Canvas Horizontal) и вы сразу же увидите большинство ваших ошибок. А что может быть приятнее, когда вы сами видите свои ошибки и искореняете их, не дожидаясь, когда вам подскажут другие. Да и порой, когда работа уже готова, исправлять уже ничего не хочется и думаешь о том, что если бы я только мог увидеть ошибки раньше, то обязательно их исправил, но не сейчас...

Замечайте свои ошибки и исправляйте, учитесь надеяться в первую очередь на себя, а не на других. Оверы – это прекрасно и наглядно, но нужно еще учиться и самим. Графические редакторы имеют достаточно возможностей для того, чтобы показать вам куда больше, чем вы предполагаете, в считанные секунды.

@темы: Для начинающего CG-шника

---

Кицунэ

Ну вот и дорисовалось. Да, это Чико. Кто знает - тот поймет. Да, я помню, что она без ушей и без хвоста ходила, но я ее все равно вот такой запомнила. Очень надеюсь, что она вернется обратно в поход.

 

@темы: рисование, rttw, рисунки

---

Осознало

Сегодня наконец-то пришла к тому, что не все то, что хочется попробовать в плане творчества стоит траты времени. Если раньше почему-то казалось, что времени хватит на все, то сейчас уже понимаю, что его с трудом хватает на два хобби, чтобы они были не просто урывками, а хотя бы более-менее полноценными. Очень нравится холодная керамика. Но уговорила себя только лишь любоваться ею. Нет у меня времени. Та же участь постигла и уже имеющееся увлечение в виде гитары. Может быть, когда-нибудь... достану ее из шкафа....

@темы: ни о чем

---

Совет 7 - Для начинающего CG-шника

Если у вас нет возможности потратить минимум несколько лет на тщательное и кропотливое обучение рисованию, а затем подробнейшее освоение возможностей редактора, и рисовать все-равно хочется... Возможно эти советы для начинающих помогут вам хотя бы избежать выносящих мозг картинок и сэкономить немало времени в наступании на грабли.

Примечание: Это баловство. Отчасти.

СОВЕТ 7 – Не забывайте о рефлексах и учитывайте их с самого начала, не откладывая напоследок!

Последнее время я довольно часто сталкиваюсь с работами, в которых, как факт, отсутствуют рефлексы. Нередко авторы рисунков даже и не знают, что под этим понимают в искусстве, и что именно необходимо сделать с работой, чтобы работа приобрела эти самые рефлексы. А, поэтому, для начала мы поставим определение этому слову. Итак, рефлекс – это оптический эффект отражённого света, изменение тона или увеличение силы окраски предмета, возникающие при отражении света, падающего от окружающих его предметов.

Как не трудно догадаться из определения, рефлексы являются неотъемлемой частью окружения, и когда художник забывает их уточнить на своем рисунке, результат получается неестественным, картонным, плоским, дробным. Рефлексы помогают передать не только богатство цветов и оттенков изображаемой натуры, но и усилить ощущение объема, которого так обычно не хватает, когда мы только учимся рисовать.

Если не сильно углубляться в теорию о рефлексах, то их можно поделить на два типа: свет, отражающийся от соседних с данным предметом освещенных объектов и свет от источника света. В первом случае мы имеем дело с отсветом цвета. В качестве примера можно привести зеленый рефлекс, который может возникнуть на поставленном вами натюрморте перед зеленой драпировкой. Во втором случае самым очевидным примером будет свет от неба.

Хочется так же еще обратить внимание и на то, что если отсвет падает на затемненную часть предмета, то он становится элементом светотени и в том месте, куда попадает отсвет, образуется слабое светлое пятно, что мы прекрасно наблюдаем каждый раз, когда просматриваем литературные пособия по основам рисования, где нам раз за разом показывают шар, с распределенными по его форме светом, полутонами, тенью и рефлкесом. И, заметьте, что, казалось бы, такая маленькая полоса рефлекса, а шарик тут же приобретает объем.

Я очень долго думала, как показать наглядно разницу между рисунком лишенным рефлексов и имеющих их. На шарах очень удобно показывать базу, но как это выглядит вживую - тут нужно уже что-то иное. Можно, конечно, было взять просто два разных рисунка, но тогда был бы немного не тот визуальный эффект. Тогда я вспомнила об одной своей работе, в которой я впервые наконец-то осознанно решила начать использовать рефлексы. Да, я довольно долго оставалась жуткой невеждой, и все мои знания о рефлексах сводились к шару из учебника и отсвету стола на поверхности моей кружки. Работа, конечно, не ахти, но суть не в том насколько она плохая, а в том, что разница между первым вариантом и вторым все же существенная.

Итак, на первом рисунке вы видите один из промежуточных, но уже близящихся к своему завершению, этапов моего рисунка «Клубника со сливками».

Здесь еще не прорисованы цельные клубники, но уже нарисовано все остальное. Для меня на этом этапе казалось все, что нужно – это дорисовать клубнику и усилить светотень. О теории цвета я вообще как о факте почти не знала и не задумывалась. Что мы можем сказать по этому рисунку? Да, все элементы нарисованы довольно четко и в меру аккуратно, нарисованы своими базовыми цветами, но из-за отсутствия рефлексов, весь этот натюрморт кажется просто собранным коллажем из маленьких кусочков, что совсем с собой не взаимодействуют. К счастью, на это обратили внимание другие, и я принялась исправлять рисунок. Надо сказать, что рисовать рефлексы уже по почти готовой работе не очень удачная идея. Это разводит грязь, когда вы пытаетесь аккуратно добавить новые цвета поверх старых. Плюс то, что вы уже прорисовали, придётся перерисовывать заново, учитывая наложенные рефлексы, что тоже не является самым приятным занятием.

После того, как я плодотворно поработала с рисунком и добавила цветовые отсветы, работа стала выглядеть более цельно. Конечно, она лишь отчасти утратила свои ошибки, но исправить все последними штрихами невозможно. Проще перерисовать определенный кусок, а для начинающего художника это хуже ядерной войны и он в лучшем случае добавит рефлексы поверх, а в худшем – просто оставит без них и будет потом тихо страдать, что о его работе выражаются как о лишенной целостности, слишком плоской и забытой рефлексами.

Возвращаясь к натюрморту с клубникой, я бегло обращу внимание на основные моменты, которые, по моему мнению, сделали работу чуть более живой.

Во-первых, крем. Сам по себе крем имеет белый цвет. Но если вы пройдетесь пипеткой по нему, то поймете, что это далеко не так. За основу я взяла кремовый цвет, но там, где крем соприкасается с ягодами, он взял немного их цвета – от ежевики один, а от клубники – другой. То же самое произошло с ним и возле листьев, где на крем довольно сильно влияет зеленый цвет от листьев, ну и, конечно же, тень. Но мы сейчас беседуем о рефлексах. Свою долю цветов получили так же и цветы клубники. Белый цвет приобрёл красновато-зеленые оттенки, а листья и стебли окрасились в красный цвет клубники. На ежевике добавились кремовые и красные рефлексы от крема и клубники, ну а на клубнике с точностью да наоборот. И так далее и тому подобное.

Вроде бы ничего сложного, но в то же время и не все так уж и просто. Немалую роль в рефлексах, да и не только, играет тип поверхности. Отражение света (простого или отраженного) может быть зеркальным или диффузным. То есть буквально от зеркального отражения расположенного рядом объекта и до слабого размытого пятна. Более подробно с этим вам придётся разобраться уже самим или читая физику, или просто приходя ко всему этому путем изучения чужих работ, методом проб и ошибок. Хотя, последнего вам все равно не избежать. Могу лишь еще добавить, что чем ближе находится предмет, отбрасывающий отсвет на другой предмет, тем цветнее и ярче становится рефлекс. На светлых поверхностях, а тем более белых, рефлексы будут видны лучше. Мнение о том, что на черной поверхности рефлексов не будет – ошибочно. Это связано с тем, что чисто черный цвет существует отчасти лишь в теории, а, значит, на большинстве черных предметов рефлексы все же будут, но только очень и очень слабые и приглушенные.

Итак, когда вы начинаете свою работу, вам стоит позаботиться не только о композиции, цветовой гамме, светотени, но и о рефлексах. Они являются неотъемлемой частью окружения, и без них ваши работы будут выглядеть вырезанными, плоскими и неестественными. Не верите? Попробуйте нарисовать самый обычный шарик со светом и тенью, но без рефлексов в цвете. А рядом нарисуйте еще один, но с рефлексами. И вы сами убедитесь, как сильно они отличаются. Ну, а для ленивых, я просто приведу эти самые шарики с пояснениями.

Давайте нарисуем самый простой белый шар на столе. На заднем фоне у нас пусть будет небо. Если вспомнить о теории цвета, то мы уже знаем, что небо при наличии источника света в виде солнца, будет является источником света в тенях и поэтому цвет там приобретёт легкий голубой оттенок. Так же мы можем сказать, что небо является упрощенно очень большим объектом, которое находится довольно далеко, но дает отсвет на совершенно все предметы, до которых может дотянуться. Итак, мы нарисовали поверхность стола, небо и наш шар. Добавили тени с небольшой примесью голубого и… Странно, но наш шар все еще плоский, да и поверхность слипается с небом. Как же так! Ведь мы наложили тени. Создали объем. Ага. Конечно.

Ну а теперь займемся делом.

На этом рисунке я показала, куда были добавлены рефлексы, а так же немного воздушной перспективны (но об этом мы поговорим как-нибудь в следующий раз).

Разберем более подробно. На дальнюю часть стола я добавила голубого, показывая тем самым, что та часть стола удалена от нас. Удаляясь, цвет стола должен посветлеть и потерять насыщенность. Благодаря голубому небу это как раз и произошло. Добавив голубое, мы не только осветлили цвет, но и понизили насыщенность. То есть создали воздушную перспективу. Ну, точнее, жалкое ее подобие. Теперь обратим внимание на стол. Так как поверхность стола не очень светлая и, допустим, отражающая способность у него не очень высокая, то и рефлекс на нем будет от белого шара не очень сильным и при некоторых случаях им можно либо пренебречь, либо наметить, но едва-едва. А вот в области тени, как я уже писала ранее, рефлекс даст небольшое осветление и мы можем заметить слабо различимое пятно света. Многие начинающие художники выражаются по этому поводу очень просто «тень вокруг светлого пятна». Возможно, вы слышали о таком мнении. Так вот знайте, что это не тень вокруг светлого пятна. Это рефлекс в тени. Ну а далее все очень просто. На границы шара мы добавляем цвет от стола и от неба. Буквально несколько мазков и наш шарик тут же заиграл объемом и вжился в окружающую его среду.

Он, конечно же, не идеален в технике исполнения и над ним еще не мешало бы поработать, но разве это нам сейчас важно? Важно то, что разница просто разительная. И я очень надеюсь на то, что все наглядные примеры в этом уроке помогут вам понять, что пренебрегать рефлексами нельзя.

@темы: Для начинающего CG-шника

---

Кицунэ - WIP 5

Лето закончилось, началась школа и сад. Сегодня старший идет второй раз в школу. Все еще сохраняется хорошее настроение. Интересно, когда я услышу первое "Не хочу делать уроки" и "Не хочу идти в школу". Сегодня ведем так же мелкого в новый сад. Будет привыкать заново к новому месту.

 

Ну а я... Да, все то же и та же. Не уверена, не испортила ли лицо. Хотя с ним еще стоит разобраться. С талией я пока что немного намудрила. Но до нее тоже доберусь. Перешла на стадию прорисовки предпоследней. Сейчас начну теперь с ушей и вниз постепенно, убирая все, что вижу. Ну а потом финальные штрихи. Да, кисть я еще не дорисовала. Не хватило меня на нее. Сегодня попробую еще ее доделать. Ну а там уже как получится

 

PS (для себя) не забыть подбородок и плечи недорисованы

@темы: рисование, WIP

---

Совет 6 - Для начинающего CG-шника

Если у вас нет возможности потратить минимум несколько лет на тщательное и кропотливое обучение рисованию, а затем подробнейшее освоение возможностей редактора, и рисовать все-равно хочется... Возможно эти советы для начинающих помогут вам хотя бы избежать выносящих мозг картинок и сэкономить немало времени в наступании на грабли.

Примечание: Это баловство. Отчасти.

СОВЕТ 6 – Ваша работа должна быть единым целым от наброска и до самого конца.

Еще одна из распространенных проблем начинающих художников, но которая имеет привычку перерождаться и мутировать настолько, что избавиться от нее становится иногда просто невозможно – это привычка рисовать все по отдельности. Не знаю откуда именно растут ноги у этой проблемы, но мне видятся два варианта: многочисленные уроки, в которых уделяется внимание какому-то одному аспекту и человек не понимает, что во время этих шагов автор так же рисует и все остальное и незнание того, как будет выглядеть конечная работа и чего хочет вообще автор от рисунка. Второй вариант самый грустный и при этом самый распространенный. Я и сама сейчас со скрипом переучиваюсь, так как начинала точно так же.

Так чем же это плохо? Проблема заключается в том, что на выходе мы получаем обычно разбитую на куски картинку, у которой элементы не взаимосвязаны вообще никак и если проблему с рефлексами от соседних объектов, иногда, еще можно решить, то проблему с сочетанием цветов, порой, решить не так легко. Особенно, когда рисовалось сначала лицо, а потом рука, нога и через неделю дорисовалось тело.

Чтобы такого не происходило – продумывайте работу сразу. Если вы сомневаетесь в фоне – задайте ему какой-то определенный цвет. Не так уж и страшно, если фон буде однородным или градиентным, но цветным. Это поможет вам подобрать подходящие цвета и для вашего рисунка. Такие, которые будут находиться в гармонии с фоном. Ну а там, глядишь, и для него что-то придумается.

Так же следует помнить, что рисунок необходимо прорисовывать равномерно. Не зацикливайтесь на какой-то одной части тела, а ели замечаете это за собой – срочно бросайте и принимайтесь за остальные части картины, «догоняя» их до убежавшего вперед места. Все мы рисуем обычно по наитию, пользуясь секундными порывами и знаниями. Использовав в одном месте один цвет, мы можем в другом месте через пару часов уже забыть и не добавить его, и в результате у нас получаются разные по цветам, пусть и незначительно, куски рисунка. И вроде бы все прекрасно, но смотрящий со стороны человек, который не пялился по сто часов на рисунок, тут же увидит эту дробность и не забудет о ней сообщить. Да и это не так уж и важно. Важно то, что дробность есть, а быть ее не должно.

Ну и третий немаловажный факт, связанный с данным вопросом – это детализация. Здесь мнения расходятся. Кто-то считает, что на первых парах не стоит детализировать вообще. Кто-то наоборот радеет за то, что нужно. Причем это говорят не начинающие или посредственные художники. Оба мнения я слышала от более, чем профессионалов в цифровой, да и вообще живописи. Поэтому решить вопрос с детализацией вам придётся самим. Конечно же, для набросков нет смысла возиться часами над ними, но если вы хотите сделать полноценную картинку, то лично я считаю, что детализация в небольшом количестве не помешает. Но здесь есть одно но. Помните, что детализацией нельзя увлекаться. Детализация в какой-то мере связана с композицией, о которой нужно хотя бы хоть раз почитать и не уснуть в процессе. Главные объекты должны привлекать к себе внимание. Поэтому их делают более контрастными и детализированными. В то время как все остальное должно содержать меньше деталей и меньше контраста. То есть как бы отступать на «задний план». При этом, кстати, главный «персонаж» картины не обязательно должен находиться на переднем плане. Просто он должен привлекать к себе внимание, а если вы равномерно заполните детализацией весь рисунок, то ваш главный объект начнет теряться. Конечно, существуют и другие способы выделить главное и увести от глаза второстепенное, но что касается детализации – стоит помнить, что чем больше деталей и четкости – тем сильнее к этому на фоне остального будет притягиваться взгляд смотрящего. Определитесь, кто главнее на вашем рисунке? Девушка, стоящая у дерева или играющие вдали дети?

Подводя итоги, еще раз повторюсь:
1. Работу стоит продумывать хотя бы в общих деталях еще на стадии наброска и ни в коем случае не оставлять фон «на потом».
2. Работу стоит прорабатывать всю сразу и постепенно. Не нужно уделять внимание чему-то одному, забывая об остальном.
3. Детализация хороша, но в меру. Детализируйте только в самом конце, когда работа уже готова и только те места, на которые вы хотите обратить внимание смотрящего.

@темы: Для начинающего CG-шника

---

Кицунэ - WIP 4

Очередное обновление. Половину нюансов пофиксила, но осталось еще целая куча. Пересмотрела лисьи рожи и с большим трудом нарисовала новые уши. Может кто предложит варианты поинтереснее. Только лисьи. А у лис уши длинные и острые балин. Вернула выключенный слой верха платья. Только лямки стерла. Вот не знаю. Рыжий вариант наверное будет сильно все рыжое. А красный не выбивается? Может все же рыжее? Лицо все так же требует дополнительной лепки, но вроде разобралась с глазами. Я их пять раз перерисовывала не прет и все тут. С волосами не определилась. Мож челку все же сделаю.

 

@темы: рисование, WIP

---

Кицунэ - WIP 3

Продолжая мучать это лисодевушко, родилась идея сменить ей платье. Вот только не уверена удачен ли выбор. Не слишком ли много белого? Причина простая. Слишком много оранжевого не есть гуд, поэтому платью по-любому нужно было сменить цвет. Более-менее подходящее - это фиолетово-голубое. Но голубое платье сюда с трудом подойдет. Попробовала белое, а тени все равно фиолетовые как раз.

 

На пометки не обращаем внимание. Это я для себя, чтоб не потерять/не забыть.

 

@темы: рисование, WIP

---

Старый ник

Спасибо техподдержке очень быстро поменяли местами мои аккаунты. Я наконец-то вернулась на свое старое имя. Если кто не понял кто это Melani-Mag = Vakhara. Сменилось не только имя, но и адрес.

@темы: ни о чем

---

Кицунэ

Везде по чуть-чуть. Планирую ща глазами заняться, а то они окосели и разъехались слегонца. Особенно дальний непоймичто. Развела грязюку. В нижней части. Платье буду полностью переделывать.

 

@темы: рисование, WIP

---

Кицунэ

Пятый дней у меня как перо из рук валится. Все хотела сесть и хоть что-то нарисовать. Даже пыталась лед рисовать для домашки гильдии, но никак.. Не могу и все тут. Лед растаял, зубы скрипят. Инородный объект а не перо какое-то. И тут совершенно случайно, вспомнила, что Beffana просила лисиц и побольше. В голове родилась мысля. Вполне банальная. Решила реализовать. Заодно и потренироваться рисовать от пятна. От пятна не получилось. Все равно пришлось поверх строить. Полтора часа с высунутым языком и отправила корявку Беффане. Потом решила доделать. Спасибо cristinn подала шикарную идею как просто расширить рисунок. С утреца еще полтора часика повозилась и повторила ее овер. Нос тоже захотелось курносый, но он мну все равно смущает. Буду позже править. Не смотря на то, что кривая, я осталась очень довольной от процесса. Да. А еще у меня как-то резко техника поменялась хотя мож это только мне кажется.

@темы: рисование, WIP

---

Засыпаю

Читаю книгу о композиции. Блин как же это скучноооо. Буквально засыпаю. Осилила пол книги. Вот что нужно читать перед сном

@темы: около-худовское

---

Совет 5 - Для начинающего CG-шника

Если у вас нет возможности потратить минимум несколько лет на тщательное и кропотливое обучение рисованию, а затем подробнейшее освоение возможностей редактора, и рисовать все-равно хочется... Возможно эти советы для начинающих помогут вам хотя бы избежать выносящих мозг картинок и сэкономить немало времени в наступании на грабли.

Примечание: Это баловство. Отчасти.

СОВЕТ 5. Не используйте инструменты Burn и Dodge для создания теней и света.

Совет прост. Куда уж еще проще. Инструменты Burn и Dodge одинаково и полезны и вредоносны. Их удобно использовать для создания резких бликов, капель воды, рельефности, текстурности, или для спецэффектов, но уж что точно нельзя делать при их помощи - это тени и свет. Ладно, если со светом проблема не столь очевидна, то поголовное использование Затемнителя для теней иногда вводит меня в уныние. И ведь художник, порой не сразу, понимает, что все так плохо. Но почему плохо-то? Если вам действительно интересно то продолжайте читать дальше. Ну а если нет - просто запомните: для создания теней используйте все ту же основную кисточку. Ну а в нашем случае, на первом годе жизни в качестве художника, этой кисточкой является круглая жесткая.

Итак, почему же использовать Burn плохо? Дело в том, что свет и тень, да и, собственно, сам цвет предмета порой, под воздействием окружающей среды, приобретает иной оттенок, отличный от базового. Существует большое множество нюансов относительно теней, но об этом мы поговорим с вами позже. Сейчас же нам нужно знать лишь то, что Burn и Dodge не являются палочкой-выручалочкой и все что они делают - это изменяют насыщенность цвета в то время как нам необходимы так же изменения цвета и светлоты, которые мы при таком варианте не получим вовсе.

Рассмотрим пример использования Burn для создания теней и сравним его с тенями, созданными при помощи жесткой кисточки.

В качестве примера используем уже знакомый нами шарик (рис.2), который мы получили из рис.1 путем смешивания наложенных базовых цветов. При помощи Burn мы усилили тень, ну а свет добавили при помощи Dodge (рис.3). Ну а на последнем рисунке (рис.4) мы воспользовались дополнительными цветами для света и тени, а так же использовали жесткую кисточку.



Теперь откроем цветовую палитру и пройдемся пипеткой по основным цветам у шарика, полученного методом Burn и Dodge.







И что мы видим? А видим мы то, что тень стала насыщеннее, но это и все. Диапазон использованных цветов критически мал. Такие работы частенько называют "зажаренными" потому что они выглядят действительно, словно слегка зажарившиеся в печке рисунки. Никакого "упоминания" окружающего освещения на нашем шарике.

Теперь снова вооружимся пипеткой и проверим наши цвета на последнем, правильном варианте.









Как вы видите, в свете у нас появились казалось бы совсем незаметные визуально зеленые цвета, в то время как тень стала более красной. Со стороны шарик выглядит куда более насыщенно, чем раньше, но при этом нет ощущения зажаренности потому что мы старались делать правильно. Не идеально, конечно, но суть должна быть более чем ясна.

Ну а теперь отвлечемся от шаров и рассмотрим все то же самое, но на примере наброска, который нам любезно предоставила Sandlady.



Рисунок 1. Это базовый набросок, на котором разбросаны цвет и светотени.

Рисунок 2. Решив показать, что бывает, когда используют мягкую кисть, Sandlady аккуратно сгладила все переходы. В итоге мы получили гладенькую, лишенную изъянов кожу. Но если отдельно она еще смотрится нормально, то при большем размере и детализации, у нас получится просто мыло мыльное. Все плоскости и текстурность, полученная в результате наложения цветов пропала и образовались просто пятна разного цвета. Особенно это заметно в сравнении с Рисунком 4.

Рисунок 3. Как обычно бывает у начинающих художников, цвета для света и тени чаще всего берутся согласно базовому. Чтобы показать это, Sandlady специально свела все цвета рисунка к одному тону, а затем, воспользовалась инструментом Burn. В итоге тени насытились, но из-за отсутствия дополнительных цветов у нас получилась зажаренная азиатка. Аппетитной ее явно не назовешь . Скорее болезненной.

Рисунок 4. Здесь Sandlady использовала твердую кисточку. Из-за множества мелких граней, которые получаются благодаря простой технике смешивания цветов, лицо выглядит текстурным и объемным. Для сохранения и поднятия контраста, был добавлен немного ярко-алый, который позволил усилить тени вместо использования инструмента Burn, и, надо сказать, результат значительно выигрывает перед своими соседями.


Подводя итоги, хочу еще заметить, что приведенные примеры наглядны, но не до конца. На больших полотнах все эти тонкости становятся более заметными. Это как, если маленькое пятно грязи неприятно задевает взор, то большое пятно уже просто портит всю работу целиком. Возможно теперь, когда вы знаете, что именно приводит в рисунках к образованию "пятен", вы примите правильное решение в выборе инструментов для создания теней и света в своих последующих шедеврах.

@темы: Для начинающего CG-шника

---

Совет 4 - Для начинающего CG-шника

Если у вас нет возможности потратить минимум несколько лет на тщательное и кропотливое обучение рисованию, а затем подробнейшее освоение возможностей редактора, и рисовать все-равно хочется... Возможно эти советы для начинающих помогут вам хотя бы избежать выносящих мозг картинок и сэкономить немало времени в наступании на грабли.

Примечание: Это баловство. Отчасти.

СОВЕТ 4. Как бы вы ни хотели не учить теорию цвета - вам придется это сделать рано или поздно, но некоторые правила нужно просто выучить сразу же.

Итак, освоив самое главное - смешение цветов, мы смело отправляемся в бой и рисуем-рисуем-рисуем. Конечно же, на теорию цвета мы забиваем потому что там очень много читать, да и вообще, зачем нам это надо? Ага... А потом, когда, казалось бы, мы уже можем более-менее симпатично рисовать, мы вдруг неожиданно слышим для себя "мало цветов", "все однотонное", "если тени теплые, то свет холодный", "грязь" и так дальее. И мы тут же впадаем в ступор/панику/печаль/отторжение (нужное подчеркнуть). Ведь как же так! Так, да не так. Про теорию цвета мы то забыли. А не зря ведь о ней столько написано.

Писать здесь то, что уже описано сотни тысяч раз я не буду. Советую набрать вам в поиске "Теория цвета" или "Основы цветоведения" и прочитать одну полноценную статью. Конечно же, с первого раза вы ничего не запомните. У вас в голове отложится только базис в виде того, что есть цветовой тон, светлота (тон), свет, тень, полусвет, полутень, рефлексы, блики, насыщенность, тепло-холодность ну и еще небольшой списочек.

Ну а далее вам просто стоит выучить совсем простые правила, которые стоит помнить и держать в голове каждый раз, когда вы рисуете. А так же помнить, что все они взаимосвязаны! Со временем вы просто начнете их применять уже не задумываясь о формулировках, а просто будете чувствовать и знать, что так надо. Возможно, вы найдете свой путь постижения теории цвета. Но пока это все впереди - просто запомните следующее и вам будет намного проще.

Изменение цвета по форме предмета.

1. По светлоте:
- Светлый цвет, удаляясь, темнеет.

- Темный цвет, удаляясь, светлеет.


2. По насыщенности: удаляясь, цвет по насыщенности гаснет, слабеет.


3. По теплохолодности:
- Холодные цвета, удаляясь, будут теплеть.

-Теплые цвета, удаляясь, будут холодеть.


4. На свету цвет светлее, в тени - слабее и распределяется по полутонам.


5. По теплохолодности - если вы выбрали теплый свет, то тени будут холодными. Если вы выбрали холодный свет - тени будут теплыми.

6. Цвет в тени по насыщенности "зажигается". То есть становится более насыщенным.

Эти правила мне очень пригодились, так как простая фраза "чем дальше предмет - тем ниже на ней контраст" в свое время вводила меня в ступор, но когда я разобралась с правилами, я полностью поняла суть сказанного. Надо сказать, что правила придумала не я. Они взяты из одной прекрасной статьи о Основах цветоведения, где на совсем примитивном уровне раскрыт данный вопрос. Я советую прочитать ее всем, но не забыть в дальнейшем обязательно ознакомиться и с классическими объемными теоретическими выкладками.

Ну а чтобы было понятно для тех, кто не в курсе, как на палитре в Фотошопе изменяется светлота и насыщенность, то я приведу вот такую картинку, которая поможет вам сориентироваться. С тепло-холодно нужно действовать по обстоятельствам и помнить, что холодными считаются синий и зеленый, а теплыми - красный и желтый.


Все? Ну, практически да. Главное помните, что цвет обманчив. Если вы читали теорию цвета, то поймете о чем я говорю. Например, серый в окружении красного будет выглядеть как голубой, а коричневый среди зеленых цветов - красным и т.п. Поэтому знайте теорию, но не забывайте видеть то, что вы рисуете.

Полезные ссылки, если Гугл вам не друг:
1. Цветоведение
2. Основы цветоведения
3. Цветовой круг

@темы: Для начинающего CG-шника

---

Совет 3 - Для начинающего CG-шника

Если у вас нет возможности потратить минимум несколько лет на тщательное и кропотливое обучение рисованию, а затем подробнейшее освоение возможностей редактора, и рисовать все-равно хочется... Возможно эти советы для начинающих помогут вам хотя бы избежать выносящих мозг картинок и сэкономить немало времени в наступании на грабли.

Примечание: Это баловство. Отчасти.

СОВЕТ 3. Инструмент Палец (Smudge Tool) нужно использовать крайне редко и ни в коем случае не для смешивания цветов!

Довольно часто начинающие художники не зная про то, что цвета можно смешивать благодаря Opacity и Flow, начинают смешивать, казалось бы, единственным доступным способом - инструментом палец. А потом это настолько входит в привычку, что даже замечания типа "не используйте палец", "видно, что юзали палец", "сильно размыто" и т.д. уже не могут их заставить переучиться и ежик продолжая плакать и колоться, лезет снова и снова на кактус, пока не наступает локальный криз и человек попросту перестает слушать, что ему говорят.

Так вот, чтобы этого не произошло - говорю сразу. Исключаем палец как таковой на ближайшее будущее вообще. Им удобно делать маленькие хитрости, подправляя или искажая линии. Но им вовсе неверно смешивать цвета. Потому что эффект будет как... правильно, как пальцем размазали краску.

В качестве примера приведу вот такую маленькую картинку. Кружочки сильно маленькие, но суть должна быть понятной. Из опрошенных мною людей, которые не связаны с рисованием и не разбираются чем и как выполняли смешивание, большинство остановилось в привлекательности на варианте 4. Что, собственно и верно.



Рисунок 1 - это база цветов. У нас есть круг, набросанная тень и свет. По сути дела мы просто имеем три пятна, которые нам нужно смешать.

Рисунок 2 - как видите, результат получился неплохой, но размытый. А при больших размерах изображения мы получим просто одно сплошное "мыло". Такое смешение цветов происходит при использовании мягкой кисти или при использовании пальца с настройками мягкой кисти. На рисунке побольше можно увидеть как смешиваются цвета пальцем. Как видно, у нас просто происходит заблюривание линии и отсутствуют практически какие-либо промежуточные цвета.



Рисунок 3 - здесь все совсем плохо. Смешивание в этом круге я производила при помощи пальца с настройками твердой кисти. К сожалению, очень многие начинающие художники используют такой вариант и это ужасно, поверьте. На варианте побольше можно увидеть как страшно все выглядит. Конечно, многие умельцы умудряются довести использование пальца до совершенства, но практически единицам удается сделать так, чтобы работы не отдавали "эффектом пальца".



Рисунок 4 - ну а здесь мы смешивали при разных значениях Opacity обыкновенной твердой кисточкой. Как видите, вариант выглядит более объемным из-за того, что у нас в результате смешивания получилось намного больше оттенков и переходов. Ну и само собой, видно какое сильное отличие и преимущество у этого способа перед другими.



Подводя итоги, повторюсь - никогда не используйте палец для смешивания цветов.

@темы: Для начинающего CG-шника

---

Кажется, дождь начинается

Рисунок для флэш-моба "Даешь Дожди!". Без печати. Рисовала приблизительно 2 часа. Так что по сути дела это спидарт чтоле. Референс прячется здесь.

 

@темы: рисование, настроение, рисунки

---

Совет 2 (продолжение) - Для начинающего CG-шника

Если у вас нет возможности потратить минимум несколько лет на тщательное и кропотливое обучение рисованию, а затем подробнейшее освоение возможностей редактора, и рисовать все-равно хочется... Возможно эти советы для начинающих помогут вам хотя бы избежать выносящих мозг картинок и сэкономить немало времени в наступании на грабли.

Примечание: Это баловство. Отчасти.

Это вторая часть Совета 2

Теперь обсудим цветовую растяжку. Здесь все по сути дела так же. Вот только растягивать можно двумя способами. Точнее не так. Способ все тот же, но действия немного другие и результат.. разный.

Вариант 1. Переход от одного цвета к другому, минуя промежуточные цвета. Этот способ подобен ч/б растяжке один к одному.



Однако, он не очень хорош для случаев, когда цвета находятся далеко друг от друга на цветовом круге. Да и, как видите, цвет в месте смешивания "проваливается" в серый, что порой не очень хорошо для рисунка и в дальнейшем может привести к "грязи", но может оказаться удобным для заднего плана, где цвета должны быть менее насыщенными, чем передний план.

Вариант 2. Переход от одного цвета к другому через промежуточные цвета в цветовом круге. Здесь суть такая же самая, но мы добавляем цвета, которые находятся между нашими двумя основными. Я не буду объяснять, что такое цветовой круг и что значит промежуточный цвет. Почитайте теорию цвета и вы найдете очень много полезной информации. Со временем вы научитесь добавлять сразу несколько промежуточных цветов в процессе смешивания. По сути дела рисование так и происходит - добавлением и смешением разных цветов. Открыла Америку, да? Но сейчас мы попробуем это сделать простым способом для того, чтобы вы поняли как все это работает.

Итак, сначала мы делим наш рисунок пополам на Желтый и Фиолетовый. Затем открываем палитру и берем цвет где-то на середине между этими цветами и с opacity 50% закрашиваем наполовину желтый и наполовину фиолетовый цвет. Вуаля и мы получаем два промежуточных цвета.



Ну а дальше уже знакомым путем делаем растяжку.



А теперь самое интересное! Откройте палитру и пройдитесь пипеткой по всей растяжке. Сначала по первой, а потом по второй. Правда интересно? Мы идем по все тому же диапазону, НО во втором случае цвета более насыщенные и яркие. И это здорово, правда? Добавив промежуточный цвет, мы сделали нашу растяжку более живой и это было совсем не сложно.

Помните об этом и ваши рисунки сразу станут более живыми. Это, конечно же, сложно реализовать сразу, но со временем вы наловчитесь и все получится. Главное помнить об этом, когда вы рисуете.

@темы: Для начинающего CG-шника